miércoles, 21 de noviembre de 2018

El silencio de otros, de Almudena Carracedo y Robert Bahar

Algunas veces las críticas tardan en llegar, tardan en escribirse. A mi personalmente me gusta empezar a escribirla el mismo día del visionado de la película y continuarla y rematarla al día siguiente, si es que no he podido concluirla de una tacada. 
Pero esta crítica llega en el justo momento cuando acaba de estrenarse en la salas españolas el esperado documental El silencio de otros, un impresionante y riguroso trabajo que toca tres asuntos distintos: la necesidad de buscar y enterrar a nuestros muertos, el robo de niños recién nacidos a jóvenes madres recién paridas durante el franquismo a manos de médicos y monjas, y casos de víctimas directas de torturas, que aun viven. El documental es sobre el presente de los afectados que bucean en el pasado buscando respuestas. 

Deben ser las cuatro menos cuarto de la tarde del domingo 19 de febrero de 2018 cuando escribo estas notas en el cineforum que se produce en la sala tras la proyección por tercera vez en la Berlinale de este prodigioso documental. El público en pie, conmovido y aplaudiendo durante varios minutos me sobrecoje. Imagino entre el público alemanes, gentes de otros paises, tal vez algún español, aparte de Almudena y del que escribe estas líneas ahora. El documental tiene el ritmo del thriller, la fuerza del mejor drama, un ágil montaje y un guión que se basa en las experiencias reales de mucha gente que se despoja del pudor para hablarle a la cámara de lo que sufrió hace muchos años. Más de cuarenta. El documental gustó tanto en el Festival de Berlin que lo premiaron con el Premio del Público. 

El documental se inicia con unos planos de unas  grandes figuras humanas (que sirven para darle forma a un cartel muy llamativo) que se erigieron en homenaje a todas las víctimas fallecidas durante la guerra civil, en un municipio que no recuerdo ahora. Lo que si recuerdo es que esas figuras, una vez levantadas, recibieron unos disparos que dejaron incrustados unos orificios en el hormigón. El artista al verlo, dijo "ahora ya están completas". Sin palabras. Nudo en la garganta. También sobrecoge el testimonio de una señora que debe rondar los ochenta años hablando de la búsqueda del cuerpo de su madre, que debe estar debajo de una carretera, a la que va de vez en cuando a llevar flores.

Cuando El silencio de otros se estrenó en la 68 edición del Festival de Berlin, el documental no tenía fecha de estreno. Ni nada aproximado. A pesar de estar producida por  Pedro Almodovar. 
Almudena creció en una sociedad politizada, la gente le decía que por qué otra vez. Había vivido 12 años en Estados Unidos con Robert, la otra mitad de la dirección que es norteamericano. Allí, a miles de kilómetros, estudiaron sobre España, fueron descubriendo casos que merecían ser investigados. En la prensa española, en la semana de la Berlinale "El mundo" mencionaba 3 obras que participaban en el Festival, como La enfermedad del domingo, de Ramón Salazar, pero no mencionaban The silence of others. Omisión total. De nuevo se hace el silencio. Pero otro tipo de silencio.

Durante el cineforum, rememoraron que en el estreno en la Berlinale, dos días antes de esta proyección, subieron hasta 24 personas al escenario. Equipo de la película y personas que han participado en ella. Seguro que fue muy emocionante. Me hubiera encantado vivirlo.
Almudena nos contó que su hija tiene 7 años, los años que ha estado trabajando en el documental, y nos confesó que se ha perdido muchos momentos de su hija y ha debido sacrificar vivencias en el largo proceso de filmación, que pudieron llevar a cabo con con la ayuda de canguros que la cuidaron durante todo este tiempo. 450 horas de grabación con una sola cámara, 14 meses de montaje durante los cuales tienes que tomar muchas decisiones, sobre lo que se queda dentro y lo que no. Un proceso que debe ser arduo. Sobre la historia de niños robados, sorprende que no haya aun una plataforma creada para investigar los cientos de casos. Nos parece éste, un tema que daría para más de un documental, sobre las vidas de esos niños, ahora adultos, en búsqueda de sus madres biológicas.
El silencio de otros nos parece una obra trágica, monumental, demoleadora. Pero que deja un hueco para la esperanza. Una obra que merece un segundo visionado que se producirá en cuanto se estrene en Málaga el 23 de noviembre. Para mí aquí, en esta película, no se habla de partidos políticos, ni de derechas ni de izquierdas. Hablamos de justicia. Yo me pongo en la piel de cualquiera de esas personas, y desearía poder encontrar y enterrar los restos de mis antepasados. Siento empatía por todos ellos, porque siempre he sentido una necesidad de justicia muy enraizada dentro de mi. Sea el caso que sea, mi naturaleza pide justicia. 
En el documental se habla de " la querella argentina" que pretende desactivar la Ley de Amnistia que se firmó en 1977, al principio de la transición. Se menciona una frase que me parece incontestable, el perdón es individual. La sociedad no puede impartir un perdón que no le corresponde por ti mismo. El estado no puede perdonar por todos.  Los delitos de lesa humanidad no prescriben y ningún estado debería impedir que sean juzgados.
Sentía que tenía una deuda con este brillante y sobrecogedor documental visto hace 9 meses y con Almudena a la que le prometí mi crítica en mi blog de cine. Y ahora, como si hubiese sido un parto, aquí os comparto mi humilde crítica y os lanzo una recomendación de que busquéis el cine más cercano donde proyecten El silencio de otros y vayáis a verlo. Seguro que os hará pensar. Si he conseguido que una sola persona vaya a verlo, habrá merecido la pena esta humilde crítica.


viernes, 16 de noviembre de 2018

Sin fin, de Cesar Esteban y Jose Esteban Alenda

Aprovechando que Sin fin se ha estrenado hace poco y que se mantiene en la cartelera dada la buena acogida que está teniendo, os comparto de nuevo la crítica que escribí durante el pasado Festival de Málaga celebrado en abril.

Pasando el ecuador del certamen malagueño, tuvimos la oportunidad de ver la opera prima de los hermanos Alenda "Sin fin", con María León Javier Rey,  una mezcla de ciencia ficción e historia de amor, aunque destacó más la parte romántica. El argumento puede resultar un poco complicado:  Javier a sus 70 años inventa una máquina del tiempo, y decide viajar con su yo de los 30 hasta el pasado de su yo de los 20 para intentar arreglar la relación que tuvo con María para evitar que ésta se intente quitar la vida en el pasado. Los tiempos pueden resultar un poco liosos porque la trama es un constante ir y venir en el tiempo, y quizás este puede ser el punto negativo de la película. 

A pesar de eso el guión nos pareció interesante. Las interpretaciones de ambos sobresalientes. Distintos cortes de pelo y una barba hacen que el ir y venir en el tiempo no sea confuso. Me pareció especialmente interesante los cambios de registros de ambos personajes, por un lado, en el pasado de los 20, más jóvenes e inocentes, y por otro lado, en el pasado de los 30, más maduros y reflexivos.
El momento en el que los dos jóvenes se conocen en un buho (autobus nocturno) nos parece llena de magia por lo brillante del guión y por unas actuaciones chispeantes. 

La historia, cuya bella fotografía llena de luz es de Ángel Amorós, está basada en su anterior cortometraje "Not the end" cuyos personajes fueron interpretados por los mismos actores. Y queremos destacar una maravillosa banda sonora original de Sergio de la Puente. La película está coproducida por Producciones Transatlánticas, Solita Films y Eladia.

Como referente comentaron en la rueda de prensa posterior a la proyección, la película "Olvídate de mi". Vivieron un rodaje complicado e intenso en pleno verano, que se desarrolló entre Madrid, Conil de la Frontera y el Valle del Guadalhorce (Málaga). Una historia de segundas oportunidades que nos lanza una pregunta, ¿qué estamos dispuestos a hacer por amor? "Sin Fin" que estará distribuida por Filmax aún no tiene fecha de estreno.

Una vez se ha conocido el Palmarés, queremos dar la enhorabuena a Javier Rey por la Biznaga de plata a la Mejor Interpretación.

jueves, 15 de noviembre de 2018

Tu hijo, de Miguel Ángel Vivas

Ayer tuvimos oportunidad de ver uno de los últimos estrenos españoles en la cartelera. El thriler psicológico Tu hijo, una historia sobre un cirujano, interpretado con solvencia y maestría por José Coronado,  cuyo hijo ( Pol Monen) recibe una brutal paliza, a la salida de una discoteca,  que lo deja en coma.

Entonces viendo que la policía se queda de brazos cruzados ante la investigación del caso, decide emprender un viaje a los infiernos buscando justicia y venganza. Tu hijo se presentó en el reciente Festival de Valladolid - Seminci. 


La aparición del dueño de la discoteca por el hospital en el que está ingresado su hijo, aumenta la curiosidad del padre y del espectador por conocer más de una trama que va enganchando lentamente adentrándose en en unos terrenos pantanosos, en un camino sin retorno. 

Nos ha gustado la manera de rodar de Vivas, con abundante plano fuera de foco. Lo que al principio parece una historia intimista sobre una familia normal, en apariencia perfecta, compuesta por el matrimonio (formado por Coronado y la siempre creible Ana Wagener) y dos hijos adolescentes, pero el tono y el género pronto se deslizan hacia el cine negro. La música apenas suena, en una historia sobre la desolación de un padre que busca justicia, pero cuando lo hace, lo hace con la fuerza y la belleza de un saxo solista. Como escenario, la ciudad de Sevilla, que ofrece una luz pocas veces disfrutada en la gran pantalla. 
Tu hijo tiene personalidad, tiene alma. No es un thiller al uso, de esos de víctima de una paliza que queda en coma, que aparecen de vez en cuando en los multicines. Tu hijo habla de la falta de justicia, de la violencia incrustada en nuestra sociedad,  habla de la presencia casi permanente en esa violencia en la que nuestros más jóvenes son continuamente protagonistas con el móvil siempre encendido, a menudo grabando y capturando el momento. También habla de la enorme incomunicación entre padres e hijos, de lo poco que los mayores saben sobre sus menores, en conclusión, del abismo intergeneracional. Vivas habla de todo esto, de una forma desafectada, sin dar un discurso moralista, ni posicionarse en un lado en en otro. 
Un ejercicio contenido que zarandea al espectador y lo deja pensativo a la salida de la sala de cine. 

miércoles, 14 de noviembre de 2018

Bohemian Rhapsody, de Brian Singer




Por fin se ha estrenado el largamente esperado biopic sobre unas de las mejores bandas de rock de todos los tiempos y sobre su carismático cantante, Freddie Mercury. Todo empieza con una potente secuencia con los preparativos de uno de los conciertos del siglo XX, el Live Aid, auspiciado por Bob Geldof. Un concierto simultaneo en dos ciudades, Londres y Filadelfia, que agrupó a todos los artistas más importantes de aquella época en el primer gran concierto benéfico para recaudar fondos para África.  Del concierto en Filadelfia fue la famosa canción We are the world.

Y de ahí se hace un flashback que nos lleva hasta un Freddie muy joven en su Londres natal (en realidad no nació alli, pero no digo dónde para no hacer spoiler)  cuando conoce a los componentes de lo que sería su primera banda, Smile. Y de ahí a los principios de Queen y a los procesos creativos para el tema que da titulo a la película y que se ha convertido en todo un himno. 

Esa secuencia del parto del tema que los catapultó directamente al número 1 y al estrellato internacional, es de las mejores de toda la película, mostrando la increíble creatividad de un Mercury en estado de gracia que luchaba por no repetirse y cuya ansia por trascender con su música es una de las características más destacables del film. En cuanto se oyen los primeros acordes de temas como "Another one bites the dust" o "We will rock you" el espectador conecta al segundo con la fuerza de su música y cuesta no empezar a bailar o a mover la pierna sentado en el cine.
Hay que destacar el excelente trabajo que han hecho para elegir a los actores que interpretan a Brian May o a los demás miembros de la banda. Realmente asombroso su parecido con ellos. 

Poco a poco somos testigos de su trasformación....de la melena inicial....pasará al pelo corto y ese bigote tan característico suyo. En la película se nos presenta a un desconocido Freddie heterosexual al principio, al que le dura bien poco su relación con Mary, personaje vital en momentos cruciales de la trama. Poco a poco se va abriendo a explorar su (homo)sexualidad en una espiral de alcohol y drogas que lo lleva, entre otras cosas, a alejarse de la banda. El director prefiere centrarse en el perfil artístico de Freddie y dejar en un segundo plano su sexualidad, una opción como cineasta totalmente válida, pero que muchos han criticado.  

Como puntos negativos, la excesiva prótesis dental que Malek debe llevar hacen que cueste al principio hacerse con el personaje.  
Rami Malek, actor de origen egipcio nacido en Estados Unidos da vida con solvencia y carisma a un personaje nada fácil, no sólo fue un cantante carismático y lleno de fuerza. Entre sus excentricidades está la de comprar una casa y darle una habitación a cada uno de sus gatos. Mercury fue un personaje tan público, tan conocido por todos que parece difícil de separar al actor (Malek) del verdadero cantante, pero quizás éste es uno de los logros de Bohemian Rhapsody. La elección de su protagonista que desde Toto y Amigos nos parece sumamente acertada. Veremos si recibe una nominación a los Globos de Oro que se anunciarán el próximo 6 de diciembre.

Hasta que llegó la película, la búsqueda en google de Bohemian Rhapsody nos daba como único resultado el título de la famosa canción de Queen. Pero desde que empezó a rodarse la película, las búsquedas aportarían dobles resultados, para la canción y la película. 
Como curiosidad...si buscamos Freddie Mercury, entre las primeras imágenes.... aparecen varias de Rami

Yo nunca he sido nada rockero, ni admirador del sonido del punteo de la guitarra eléctrica y tampoco  fan de Queen, pero eso no quita para sentir cierto respeto y vibrar como el que más con temas de la banda que ya son verdaderos himnos para varias generaciones como "Another one bites the dust", "I want to break free", "Under pressure", "Radio Gaga", "We are the champions" o "Somebody to love".
Los prolegómenos anteriores al concierto más grandioso de todos los tiempos, el famoso Live Aid es también otra de las secuencias más memorables de una película que engancha desde el primer minuto. 
Quizás podrian haberle dado algo más de tiempo en pantalla al tema del Sida y haber aportado algo nuevo en el tratamiento sobre una enfermedad que se llevó a miles de víctimas en los años 80 y 90. La película termina en 1985 aunque Freddie Mercury fallecio en 1991, muy poco tiempo después de hacer público que era seropositivo.
Desde luego, aunque nos ha gustado mucho Bohemian Rhapsody, no es la película definitiva sobre este carismático cantante....vendrán otras....estoy seguro! 

lunes, 29 de octubre de 2018

This is us, de Dan Fogelman (Tercera Temporada)

Escribir la primera crítica de una serie de televisión impone cierto respeto, pero si encima añadimos que la serie en cuestión es la aclamada y exitosa THIS IS US, entonces el respeto sube a niveles estratosféricos. 

Antes de empezar quiero decir que esta serie es como el juego de las muñecas rusas. Dentro de cada muñeca hay una muñeca ligeramente más pequeña. Una dentro de otra, así hasta una muy pequeña. Esta serie es así. Es como una serie dentro de otra serie dentro de otra serie. Son tantas las vidas que se cruzan entre los personajes de este maravilloso puzzle, vidas cruzadas pero también las mismas vidas tan distintas en cada año vivido, que consiguen que sus historias te vayan atrapando y enganchando y ya tu vida no estaría completa sin esta serie. Sí, tienes razón, ha sido una gran exageración. Pero sigue leyendo, por favor. A veces, esta crítica puede parecer todo menos sencilla, pero es que esta serie es todo menos sencilla.

This is us cuenta la historia de unos trillizos nada corrientes. Decir la razón principal por la que no son nada corrientes seria hacer spoiler de algo que se descubre en el primer episodio, así que pasaremos de largo ahora mismo. Las tramas son múltiples porque no solo habla de los trillizos en su edad adulta, sino que en un continuo flashback los brillantes guionistas nos van desgranando historias y anéctotas vividas en distintas épocas de los tres hermanos, tanto como niños, como adolescentes o como adultos y de sus padres, porque no olvidemos que durante una gran parte de la serie, los cinco forman un todo, una gran familia, en la que la que apenas vemos a los abuelos. Y muchas de las subtramas son padre-hijo/a, madre-hijo/a.
Los trillizos (Kevin, Kate y Randall) están interpretados magistralmente por Justin Hartley, Sterling K. Brown y Chrissy Metz. Para cada hermano hay 3 actores distintos con sus matices correspondientes según la época en la que transcurra la acción.

Rebecca y Jack, los padres interpretados por unos inmensos e increiblemente talentosos Mandy Moore y Milo Ventimiglia, son siempre los mismos actores, aunque vemos tantos matices y diferencias entre la Rebecca joven y la Rebecca madura, que es una delicia disfrutar del mismo personaje como si fuesen dos distintos. 
Esos nombre ya resuenan dentro de mi cabeza como si fuesen miembros de mi familia. Y es que llevo vistas 2 temporadas con 18 episodios cada una y 3 episodios más de la tercera temporada que arrancó en septiembre de este mismo año, o sea hace un mes. Los trillizos son: 
Randall, un ejecutivo de éxito,  casado y adinerado, un hombre reflexivo y muy emocional, padre de dos niñas y cuyo personaje vive unas experiencias con las que es muy fácil identificarse, aunque no se hayan vivido las mismas dificultades. 

Kate, es una mujer también muy emocional, cuyo exceso de peso marca continuamente su vida, sus conflictos, muchas de las subtramas en la serie y con la que no es difícil identificarse, aunque no tengas un sobrepeso de 40 kilos. ¿Encajo yo en este mundo? 

Y Kevin, que es un egocentrico actor, que tras alcanzar un éxito atronador en televisión, decide abandonar su trabajo (T1E1)* y mudarse a Nueva York con la intención de empezar una nueva carrera en el teatro. 

En las series con continuidad, los personajes van arrastrando cierto peso y fuerza en sus distintas tramas y subtramas, que conectan con el espectador y por eso los finales de ciertas series míticas han sido tan emocionantes, por toda esa emoción acumulada que el espectador ha ido viviendo con ellos durante el tiempo del visionado de la misma, que a veces puede alcanzar muchos años. Se va haciendo como una bola de nieve con todas las experiencias acumuladas, sumadas temporada tras temporada.  En This is us, solo llevan 2 temporadas y los primeros cinco de la tercera, pero ya se percibe ese peso en las tramas que van arrastrando al espectador a un torbellino de emociones realmente mágico. En varias ocasiones, después de haber visto muchos episodios, sentí el deseo de escribir sobre el mismo, pero luego pasó el momento, y perdí la fuerza o el impulso para hacerlo. También se olvidan los detalles de los que querías hablar. 
Pero hoy no quería dejar pasar la oportunidad, después del visionado del TERCER capitulo de la Tercera Temporada. Tercer, así en mayúscula, para darle el empaque que se merece. 
En esta temporada los personajes han madurado, han crecido y sus tramas tienen más fuerza, hablan de cosas tan importantes como la maternidad o paternidad por vez primera, y las interesantes diferencias sobre cómo se enfrenta a ello un hombre o una mujer. ¿Es la mujer más madre que el hombre padre, por haber llevado dentro de si misma 9 meses a la criatura? Recuerdo un episodio (T2)* que había un gran conflicto entre Kate y Toby, su pareja en la serie, por esta misma cuestión  y los diálogos eran muy poderosos y creíbles. La serie toca también temas universales como el perdón, el aceptarse a uno mismo, el si encajo en la sociedad, el matrimonio, las dependencias afectivas o las sustancias,  la maternidad (o las dificultades para ser madre), como en (T3,E3) cuando intentando quedarse embarazados. él descubre que tiene un esperma pobre y ella un problema grande,  un más que considerable exceso de peso para enfrentar un embarazo  ¿Qué hacer? ¿Sería la adopción una opción más aconsejable?
La música también está muy bien elegida. Hay dos subtramas en las que madre y hija, en épocas distintas intentan trabajar como cantantes profesionales. Y cada una con su particular visión sobre el tema. 
This is us habla de las fortalezas y de las debilidades del ser humano, de lo bueno y de lo malo, de sus miserias. En las tramas hay problemas cotidianos a los que el ser humano se enfrenta más tarde o más temprano en su existencia y los guionistas dotan de enorme fuerza a lo cotidiano,  lo que consigue que con frecuencia se te haga un nudo en la garganta o caiga alguna lágrima. Los guiones me parecen excelentes, algunas  frases contundentes, y las interpretaciones siempre muy creibles. La serie también habla de mentiras necesarias, como cuando Jack, les cuenta a sus hijos que estuvo en Vietnam, pero trabajando de mecánico. Vietnam es un tema que no se toca nada hasta la tercera temporada. Hay muchas madejas que se van deshilvanando poco a poco, episodio tras episodio. Y  eso da para escribir mucho. Por ejemplo, algunos personajes tienen dos padres. Si veis la serie entenderéis a que me refiero. Siempre que escribo, intento evitar hacer spoilers.  
Madre e hijas, sentadas ambas ante el piano "Este piano será el lugar en el que podrás deshacerte de toda esa tristeza" frase que le dice Rebecca a Kate de 17 años, en un momento de esos que decía, en los que se te hace un nudo en la garganta.

Si he despertado el interés y las ganas de ver This is us,  y ya estáis pensando en buscarla en Netflix o HBO, os anuncio que en ninguna de las dos está disponible. En España la emite el canal de pago Fox Life. Y hay una plataforma de pago llamada ORORO.TV en la que también está disponible, en versión original con subtítulos. Seguiré escribiendo de THIS IS US.....
* T: temporada.  E: Episodio 

lunes, 8 de octubre de 2018

Ha nacido una estrella (A star is born), de Bradley Cooper



A star is born, (estrenada en Venecia en agosto, en el Tiff (Festival de Toronto) en septiembre y mundialmente el 5 de octubre) es la nueva versión de esta conocida historia con Lady Gaga y Bradley Cooper, que además de dirigir y actuar, ha participado en el guión y ha compuesto algunos de los temas, cuya banda sonora original, incluye unos temas preciosos. Quiero empezar diciendo que me ha parecido una película muy hermosa, que te toca el corazón con una historia auténtica.....donde casi no hay lugares comunes y donde todo juega en conjunto para sumar. Grandes interpretaciones, guión soberbio y una música que a buen seguro ocupara muchos números uno en las listas y acaparará premios allá por donde recoja nominaciones. El papel de Gaga, dulce y apasionada, creíble como mujer de 31 años, descreída de si misma, y que se ha rendido ante la posibilidad de ser una cantante de éxito, hasta que aparece Jackson dispuesto a hacer añicos el suelo que pisa y trastocar toda su vida de arriba abajo.


Desde muy el principio uno percibe que todo en esta película fluye...todo va en la dirección correcta....desde que Ally y Jackson, una estrella de rock alcoholizada, se conocen en un pub donde actúan unas drags y donde ella es la única persona que canta en directo. Allí es descubierta mientras interpreta con enorme talento La vie en rose
Lady Gaga, que ha cumplido 10 años de carrera esta soberbia y hace fácil algo difícil con su personaje; conseguir ser creible con su primera actuación ante el público y emocionar como pocas con una canción que con total seguridad pasará a engordar la lista de los grandes temas de la música de cine. Y todo ello lo consigue, la reina del Pop, ganadora de 6 premios Grammy, una estrella galáctica autora de "Born this way" que ha vendido millones de discos y ha actuado en todo el mundo.

En el cine, a veces, cada vez menos, hay magia. Y aquí los actores protagonistas, los secundarios, la maravillosa banda sonora, que incluye una serie de temas interpretados por la propia Gaga, el guión, el montaje. Todo fluye en la misma dirección para engrandecer un filme que me ha dejado una huella muy hermosa. Uno percibe en las entrevistas, que he podido ver estos días, una humildad en el director y protagonista masculino que trasciende a todo lo demás. Y es notable como regala generosamente casi todo el protagonismo de la historia a Stefani Germanotta, nombre real de Gaga,  y de qué forma!!! 
Tal vez se echa de menos la presencia de las redes sociales que acompañan a un artista en la actualidad, en la película. Pero es que no se especifica en ningún momento la época en la que la cinta  transcurre, y uno lo entiende perfectamente cuando descubre que Bradley Cooper, carece de perfiles en ninguna red social. Y precisamente la ausencia de este componente en la película, hace que la historia se centre mucho más en lo meramente artístico y dejé atrás lo que a mi humilde parecer, es superfluo.
Precisamente, Shallow (superficial en español) es el tema principal de esta nueva versión de A star is born. "Tell me something girl, Are you happy in this modern world or you need more? Tell me something boy, Are you tired trying to fill that void?  son algunos de los bellos versos interpretados por el propio Cooper que se ha involucrado enormemente en todo el proceso creativo y de edición del mundo que retrata con veracidad y pura honestidad. 

Ally es pura sencillez, rechaza  los adornos superfluos cuando se sube a escena, que puedan distraer al espectador de lo verdaderamente importante, la música, su voz y su interpretación. Esa sencillez nos parece muy auténtica y tiene mucho que ver con la verdadera personalidad de Stefany y no tanto con Lady Gaga, artista estrambótica, hecha a si misma desde que empezara a tocar puertas con apenas 19 años buscando esa ansiada oportunidad. Esa verdadera autenticidad que nos trasmite cuando interpreta I'll never love again,  nos parece lo más destacable de un personaje que ya huele a Oscar, y a Globos de Oro, que tienen una sección especial para comedia o musical. (Aunque unos dias después de escribir esta crítica, supe que A star is born. está registrada para los Globos de Oro como Drama. Curioso! 

Entre los secundarios, destaca el legendario Sam Elliot, que interpreta al hermano de Jackson, con el que comparte algunas secuencias memorables
Debo admitir que me imponía mucho respeto escribir esta crítica. No quería que fuese una más, sino algo especial. Espero haberlo conseguido.
Para los más jóvenes o profanos en el cine, queremos añadir que ésta es la nueva versión de A star is born, que ya ha sido llevada al cine en otras tres ocasiones . La primera en  1937. La segunda con dos grandes, inmensos actores,  James Mason y la incomparable Judy Garland. Y la tercera en una fallida película en 1976 con la incombustible e inconmensurable Barbra Streisand, acompañada por Kris Kristofferson. Destacar que Evergreen, el tema principal de ésta, fue merecedora del Oscar a la Mejor Canción Original, y dicho sea de paso, nos parece una de las más hermosas melodías jamás compuestas.  

Para terminar, nos alegra decir que tanto en España, como en Estados UnidosA star is born, ha logrado la segunda posición en la taquilla en su primer fin de semana en la gran pantalla.

Nota:
 a 15 de octubre. La banda sonora ya está en el número 1 en los Bilboard 200 y en el Reino Unido. 
23 de octubre...ya lleva 2 semanas como número 1 en los Bilboard 200. 
5 de noviembre ya lleva 3 semanas como número 1. 

martes, 2 de octubre de 2018

Searching de Aneesh Chaganty

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Searching de Aneesh Chaganty, es la película más original que he visto en muchos años. Empieza con la pantalla de un ordenador encendiéndose y viendose el sistema operativo de Windows iniciarse con el cursor del ratón moviéndose. Después, aun en la pantalla de ese mismo ordenador, se ven haciéndose algunas fotos a una pareja de origen asiático con su hija pequeñita con la webcam y guardándose en el equipo en una carpeta recién creada. Así nos van presentando a los tres protagonistas de la historia, aunque en la película la madre aparece poco, y en cambio al padre lo vemos en la mayoria de las secuencias. Unas pocas escenas más, y contemplamos que la niña ya es adulta y está en el instituto, y tras una breve conversación por videollamada se despide de su padre. A la mañana siguiente la hija no contesta a los mensajes al móvil, ni a las llamadas, e inmediatamente empieza la historia de la desaparición de Margot. Tras unas secuencias en las que el padre se da cuenta de lo poco que sabe de su hija, se adentra en las redes sociales, para, a través de sus amigos, intentar dar con el paradero de su única hija. Searching  empieza con un brillante arranque, un desarrollo que no decae en ningún momento, haciendo avanzar la trama sin parar hasta un final de esos que hacen redonda una historia, no sin antes algunos giros de guión que juegan con el espectador. Un guión excelente es el mejor punto de partida.
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La historia está contada a través de la pantalla de un ordenador siempre, ya sea con un chat, una videollamada, las redes sociales o las noticias en directo de un canal de televisión que también se ven desde internet. El montaje es realmente ágil y tiene como anéctota curiosa, que absolutamente todos los chat que son abundantes y todos los rótulos que aparecen en las noticias, están traducidos al español, con lo que el visionado se hace muy, muy cómodo.
Se estrenó el viernes pasado, y el programa Dias de Cine, en el que hablaron de ella, despertó el interés por verla. Aun no he leido absolutamente nada en internet o en Fotogramas sobre la película, y he llegado relativamente nuevo, aunque en el programa cuentan casi siempre, más de lo que yo desearía. Antes de acabar de escribir la crítica, he descubierto que Searching se estrenó en Sundance en enero de este año.
Los actores son desconocidos salvo Debra Messing, que podría ser Missing ya que esta palabra significa desaparecida en inglés.
En la historia subyace la profunda comunicación de nuestros dias que afecta a unos y a otros y que en este caso es entre generaciones. 

sábado, 15 de septiembre de 2018

Las distancias, de Elena Trapé

Recupero ahora que se ha estrenado en salas esta valiosa e interesante película, triunfadora en el Festival de Malaga. 

"Las distancias", supone el segundo largometraje de Elena Trapé tras Blog (2010). Es una historia magistralmente narrada en imágenes, de cuatro amigos que se reencuentran en Berlin, cuando tres de ellos deciden hacer un viaje sorpresa para celebrar el 35 cumpleaños de su buen amigo de los años de universidad. Desde el principio se percibe que no llegan en buen momento y poco a poco el espectador es testigo de cómo este grupo con grandes conflictos vitales se va desgranando. Los papeles principales están interpretados por los solventes Mike Esparbé,  Alexandra Jimenez, Bruno Sevilla, Isak  Férriz y María Ribera. 

Las distancias nos habla de una época en la que el globo del bienestar se ha desinflado. El guión lo empezó gracias a una beca que recibió en Berlin, una ciudad oscura donde es fácil ocultarse. A Trapé le encantan las películas de reuniones de amigos. Cuando uno en el grupo cambia de rol, todo se desmorona como un castillo de naipes. Los silencios son importantísimos en esta historia de almas desencantadas. Y en ellos se cuenta mucho. De hecho Elena contó que en la sala de montaje se cayeron varias secuencias con diálogos, porque consideraba que no eran necesarios para contar la historia. También dijeron que no querían que Berlin fuese un personaje más, y la verdad es que apenas se reconocen rincones de la ciudad alemana, entre otras razones, porque casi toda la historia sucede en el piso de Comas (Mike Esparbé) a donde llega los viajeron al principio de la película. Las distancias sucede en tres actos, que son los tres días que pasan desde que los amigos llegan a Berlin. Nos gustó mucho la fotografía, con unos tonos grises y neblinosos que ayudan a ir bajando a los estados de ánimo de los 4 personajes. La fecha de estreno está prevista para septiembre. 
Desde Totó y amigos, estamos completamente convencidos que Las distancias estará en el palmarés de este Festival. 
No queremos dejar de comentar el recuerdo del mejor cine catalán que fue premiado en distintas ediciones del Festival de Málaga, como "Los niños salvages", "3 dias con la familia" , "La proxima piel" o más recientemente el año pasado con "Verano 1993". El sabado se conocerá el palmarés. 

martes, 24 de abril de 2018

Diario de festival - Día 3 - I hate New York y Formentera lady

El lunes tuvimos la oportunidad de ver dentro del horario de proyección matutina de las películas de la Sección Oficial un valioso título dentro de otra interesante sección del Festival: Premiere
"I hate New York" de Gustavo Sánchez, es una sugerente cinta sobre las vidas de cuatro transexuales en el Nueva York actual. Una historia desprovista del brillo y del happy end del Nueva York que nos venden muchas películas. 

En los estertores del underground y en la época post 11S empezó con este proyecto que le ya llevado 10 años. Gustavo Sánchez en la rueda de prensa posterior a la proyección: "Me he sentido completamente libre. Sin presión de ningún tipo para contar lo que queria contar". 150 horas de filmación y 70 personajes,  se han quedado solo con los cuatro testimonios de las cuatro protagonistas: Amanda Lepore, Chloe Dzubilo, Sophia Lamar y T de Long. La escena de Barcelona es lo que unió a Sánchez y a los hermanos Bayona, productores de la película. Gustavo quería lanzar un misil contra todos los estereotipos y prejuicios de la sociedad contemporánea. Querían hablar del otro lado de Nueva York, del que no se ha contado mucho, aunque quiero apostillar que si que lo hemos visto en otras muchas películas sobre el sueño truncado de muchos que llegaron a la gran manzana con grandes sueños de una vida mejor, y se marcharon con un puñado de decepciones. Sánchez buscaba veracidad, lo auténtico, y descartó fragmentos que se viesen impostados, con poca naturalidad. Criticó una falta actual de espontaneidad, algo que comparto completamente. Hay una frase que me encantó, "la nostalgia es como la masturbación, algo que uno debe hacer en soledad, es algo privado". Llevaron a cabo un gran trabajo de documentación para realizar el retrato de Chloe. 


Las cuatro protagonistas tienen una gran personalidad, se abrieron mucho durante todo el proceso.  Sánchez admitió como referencias el Movimiento Dogma y John Cameron Mitchel le inspiró mucho y le ayudó a entender la escena Trans.  Ante la pregunta de ¿Cómo se sintió grabando el underground de NYC Gustavo se quedó sin palabras. 
El que escribe estas lineas se identificó mucho con los testimonios de estas cuatro luchadoras que defienden a ultranza su estilo de vida que han elegido libremente. El documental desprende un vitalismo y un positivismo absoluto, lejos del derrotismo de los que siempre están quejándose. Eso quizás en lo que más me gustó! Y también algo de lo que me di cuenta durante la proyección: yo también soy un poco underground, pero no me había dado cuenta.


El lunes también pudimos ver el estreno en la dirección de Pau Durá (El príncipe) en la dirección con "Formentera Lady". La historia de un hippy que vive felizmente en Formentera hasta que aparece su hija (una siempre solvente Nora Navas) para pedirle, o deberíamos precisar, exigirle que se haga cargo de su nieto durante un viaje laboral a Francia. El arranque prometía más de lo que daba. Una localización preciosa para una trama que no engancha, más bien aburrre, con un arco de los personajes de abuelo y nieto con poco recorrido. Sinceramente, esperábamos algo más de una película que había creado ciertas espectativas desde que se dió a conocer como las seleccionadas para la Sección Oficial del Festival de Málaga.

lunes, 23 de abril de 2018

Diario de Festival - Día 5 - "Sin fin"

Pasando el ecuador del certamen malagueño, tuvimos la oportunidad de ver la opera prima de los hermanos Alenda "Sin fin", con María León y Javier Rey,  una mezcla de ciencia ficción e historia de amor, aunque destacó más la parte romántica. El argumento puede resultar un poco complicado:  Javier a sus 70 años inventa una máquina del tiempo, y decide viajar con su yo de los 30 hasta el pasado de su yo de los 20 para intentar arreglar la relación que tuvo con María para evitar que ésta se intente quitar la vida en el pasado. Los tiempos pueden resultar un poco liosos porque la trama es un constante ir y venir en el tiempo, y quizás este puede ser el punto negativo de la película. 

A pesar de eso el guión nos pareció interesante. Las interpretaciones de ambos sobresalientes. Distintos cortes de pelo y una barba hacen que el ir y venir en el tiempo no sea confuso. Me pareció especialmente interesante los cambios de registros de ambos personajes, por un lado, en el pasado de los 20, más jóvenes e inocentes, y por otro lado, en el pasado de los 30, más maduros y reflexivos.
El momento en el que los dos jóvenes se conocen en un buho (autobus nocturno) nos parece llena de magia por lo brillante del guión y por unas actuaciones chispeantes. 


La historia, cuya bella fotografía llena de luz es de Ángel Amorós, está basada en su anterior cortometraje "Not the end" cuyos personajes fueron interpretados por los mismos actores. Y queremos destacar una maravillosa banda sonora original de Sergio de la Puente. La película está coproducida por Producciones Transatlánticas, Solita Films y Eladia.
Como referente comentaron en la rueda de prensa posterior a la proyección, la película "Olvídate de mi". Vivieron un rodaje complicado e intenso en pleno verano, que se desarrolló entre Madrid, Conil de la Frontera y el Valle del Guadalhorce (Málaga). Una historia de segundas oportunidades que nos lanza una pregunta, ¿qué estamos dispuestos a hacer por amor? "Sin Fin" que estará distribuida por Filmax aún no tiene fecha de estreno.

Una vez se ha conocido el Palmarés, queremos dar la enhorabuena a Javier Rey por la Biznaga de plata a la Mejor Interpretación.